[Alegas] Mes Critiques en 2012

[Creeps]

Oui t'as raison, problème de culture pas de génération

[Mark Chopper]

Je ne crois pas aux généralisations de ce type.

J'apprécie tout autant des réal qui ont débuté dans les années 60, 70, 70, 90, 00.

[Dunandan]

Bon je reformule : ça peut être une barrière culturelle, artificielle il est vrai, car il n'y a aucune raison de s'arrêter avant les années 90. Mais les généralisations ne sont pas toujours fausses, quand ça part de l'expérience. Et j'en suis une preuve vivante

Puis sérieux, on est pas tous des cinéphiles. Beaucoup vivent seulement avec leur époque (et semblent oublier que le cinéma, c'est comme la musique, il y a des trucs qui ne vieillissent pas).

[Alegas]

Petite question, tout à fait sérieuse : parmi tes condisciples étudiants, comment est perçu Paulo ?

Sérieusement, je n'en sais rien du tout. J'imagine qu'il doit être apprécié par une majorité. Après j'ai bien conscience que mon avis sur ce réal est très subjectif.

donc tu parle d'inspiration evidente entre le film total recall que tu vient de voir ( d'apres toi issue de la nouvelle , et non du film ) et matrix , tu peut me dire a quoi tu pense concretement ?

Je le redis, pour moi Total Recall n'est pas une influence directe des Wacho pour Matrix, déjà parce que de toutes les interviews que j'ai pu lire et voir Verhoeven n'est jamais cité (bon après ça c'est un argument qui peut être facilement contredit étant donné que les Wacho sont jamais à l'aise en interviews et qu'ils n'ont jamais déclarés ouvertement la totalité de leurs influences), ensuite parce que, à mon sens, les deux éléments dont tu parles (pilule et émetteur) sont des détails certes importants mais qui se retrouvent toujours plus ou moins soit dans la littérature de K. Dick soit dans la littérature SF en général. C'est peut-être une question de perception mais moi c'est clair et net je pense vraiment que les influences de Matrix sur ce coup là sont purement littéraires.

Moi ce qui me fait marrer c'est que "tu pars avec aucun à priori sur le film" mais que tu "détestes le cinéma de Verhoeven"

(puis scène d'action pas dynamique c'est pas parce que c'est pas ultra cut ou bullet-timed que c'est pas bien filmé puis le premier meurtre il m'a foutu une sacrée claque)

Le fait que je déteste un cinéaste ne m'empêche pas de découvrir un de ses films de façon neutre, la preuve avec Black Book que j'avais apprécié alors qu'à l'époque je crachais déjà sur Basic Instinct.
Et pour l'action, c'est pas la question de montage ou de gestion du temps dont je parle, c'est dans la tonalité. Verhoeven, comme dans Robocop, se contente de filmer platement du gore à outrance et des acteurs jamais impliqués. C'est pas forcément un reproche en soi, mais dans un film d'action comme ça, ça gêne énormément.

Beaucoup vivent seulement avec leur époque (et semblent oublier que le cinéma, c'est comme la musique, il y a des trucs qui ne vieillissent pas).

Sauf que le vieillissement d'un film, c'est aussi très subjectif. Y'en a bien qui trouvent que les films de la Nouvelle Vague vieillissent bien.

[Heatmann]

t'est incroyable !

donc les tres forte ressemblance , meme similarites entre les scene de pillule et emeteur dans les 2 film ( parcque bon c'est quand meme bien precis et similaire la , on parle pas de generalites ) , c'est une complete coincidance , ou alors c'est venue de la litterature ...( meme si tu a pas lue la nouvelle de k dick , mais bon pas grave ) ......

tu dit que les wacho sont surement inspirer pas la nouvelle de k dick , mais surtout pas le film de vero ( que tu l aime pas ok , mais ca enleve rien au qualiter de matrix , c est assez pueril de surtout pas vouloir associer sont pti film chouchou a un autre qu on deteste ) , alors que les chose que l on retrouve clairement dans matrix sont passe issue de la nouvelle qui est d ailleur peut reputer , mais du film ...

voila c est tout ce que j essayai de te faire dire , tu a balancer une belle connerie dans la mare , mais faire des jolie tour de passe passe ( merci a way pour te filer des argument bien generaux ) je laisse tomber , mais alegas serieux je debattrai plus avec toi , ( ouai tu t en fou et me renveras un truc du genre ; ouai mais toi tu fait pareil blablabla ) la je suis abassourdit pas ton aveuglement , entetement , jsuis decut et tu m'interresse plus .

[Alegas]

Ok.

[Waylander]

Alegas quand tu débarques à Paris un montera une association à culs non lubrifiés "Next Gen Powa" contre la" Viagra Gen Powa".

[Jimmy Two Times]

Faîtes gaffe tout de même, c'est moins douloureux avec du lubrifiant que sans.

[Alegas]

Snow White And The Huntsman (Blanche-Neige et le Chasseur) de Rupert Sanders

(2012)

Un projet qui était franchement loin d'être intéressant à l'origine, depuis il y a eu la campagne marketing et notamment les superbes trailers qui annonçait un spectacle visuel assez étonnant malgré un casting qui avait de quoi faire peur. Le résultat : Snow White and the Huntsman est un produit beaucoup trop inégal. Ainsi, le film a d'énormes qualités visuelles, le budget se voit toujours à l'écran, les effets spéciaux sont magnifiques, la production design a de la gueule, bref on a facilement le plus beau film d'heroic-fantasy depuis Lord of the Rings, ce qui n'est pas très dur en soi vu la concurrence mais il faut tout de même le souligner. Malheureusement, ces qualités sont finalement peu de choses en comparaison du reste, notamment du scénario écrit n'importe comment, important des personnages sans intérêts et inutiles (non mais William quoi...) à la psychologie réduite au minimum (le trauma du chasseur), et accumulant les séquences clichés qui s'intègrent mal à l'univers présenté, en témoigne le discours de Blanche Neige pour motiver les troupes à la bataille. Dommage car la relecture est plutôt intéressante et mature (les nains deviennent en gros des beaufs qui font des blagues scatophiles et les monstres de la forêt sont justifiés par le fait que Blanche Neige est une droguée) et ce, malgré le manque évident d'identité du métrage qui multiplie les références à peine dissimulées (la plus évidente étant celle sur Miyazaki, la séquence étant finalement totalement gratuite). Niveau casting c'est inégal, le meilleur personnages du film étant celui de Charlize Theron qui aurait mérité un film entier, Kristen Stewart se débrouille bien mais c'est finalement une grosse erreur de casting (oui elle est mignonne mais seul un aveugle la préférerait à Theron), Chris Hemsworth révèle son jeu d'acteur minimum en incarnant une nouvelle fois Thor, enfin le reste révèle quelques bonnes surprises avec notamment Ian "Cocksucker" McShane, Toby Jones, Bob Hoskins, Nick Frost et Ray Winstone dans le rôle des nains. La mise en scène de Rupert Sanders, dont c'est le premier long-métrage, montre ses limites dans l'influence de l'univers du clip vidéo dont il est issu. Ainsi, c'est magnifique de bout en bout mais dès que l'on demande un minimum de gestion technique, ça devient agaçant à voir avec des combats illisibles et aucune recherche de pensée du cadrage. La BO de James Newton Howard est sympa mais s'oublie très vite. Bref, une véritable coquille vide qui s'apprécie sur le coup mais qui révèle ses limites au fur et à mesure. Une seconde vision est à proscrire, ça ne pourrait lui faire que du mal.

NOTE : 5/10

[Alegas]

21 Jump Street de Phil Lord & Chris Miller

(2012)

Une sacré bonne petite surprise. Ce qui s’annonçait comme un énième remake opportuniste se révèle être une comédie décalée qui se fout ouvertement de ses origines, et accessoirement l'un des films les plus drôles de ces dernières années. Adaptation très libre de la série à succès 21 Jump Street qui avait notamment révélé le jeune Johnny Depp, le film de Phil Lord et Chris Miller, réalisateurs de l'excellent Tempête de boulettes géantes, s'éloigne finalement énormément du produit qu'il adapte, n'en faisant réellement mention qu'à quelques reprises pour quelques gags nostalgiques bien sentis, et livre un long-métrage classique sur la forme mais bien plus provocateur et osé que la plupart des productions du genre. Ainsi, si le script est souvent prévisible, il n'en est pas de même pour les nombreux gags souvent hilarants que le film propose. Entre une séquence sous acide, un caméo inattendu et un choc des générations bien pensé, 21 Jump Street aura clairement de quoi ravir ceux qui recherchent une bonne barre de rire et s'impose facilement comme l'une des meilleures comédies US depuis Step Brothers. Enfin, le casting est vraiment sympa, Jonah Hill reste fidèle à lui même, Channing Tatum est utilisé à bon escient, son mutisme ne gênant aucunement ici, on a même le droit à Ice Cube en protecteur d'un Jésus coréen. 21 Jump Street c'est bien.

NOTE : 7/10

[Alegas]

Marley de Kevin MacDonald

(2012)

A l'origine prévu comme un biopic il y a déjà plusieurs années (les nom de Martin Scorsese, Taylor Hackford, Rachid Bouchareb et Jonathan Demme avaient même étés évoqués un temps), c'est finalement sous la forme d'un documentaire que la vie de Bob Marley, figure ultime du mouvement reggae, prend vie au cinéma. Si la durée impressionnante du métrage (2H30 tout de même) a de quoi rebuter, la présence de Kevin MacDonald aura de quoi rassurer. Car ce nom ne cache pas seulement l'auteur de films comme The Last King of Scotland, State of Play ou The Eagle, mais dissimule ainsi un brillant réalisateur de la forme documentaire. Disons le d'entrée, il est très peu probable que le film intéresse quelqu'un qui rejette le nom de Bob Marley comme la peste, en revanche il aura clairement le mérite de dévoiler des faces souvent ignorées du personnage et ainsi révéler au spectateur ignorant presque tout du personnage une grande figure du monde musical vu par ses proches et collaborateurs. Car Marley, avant d'être un film sur le personnage-titre, c'est avant tout un film sur les gens qui l'ont connu. Ainsi, armé des archives privées de la famille dévoilées pour la première fois au grand public, Kevin MacDonald livre ici un portrait toujours sincère, juste et souvent touchant qui démontre à la fois les qualités indéniables de cette grande personne que pouvait être Bob Marley tout en l'opposant avec ses idéologies religieuses parfois difficiles à saisir. Si le film met évidemment beaucoup l'accent sur l’œuvre musicale de Bob Marley, c'est avant tout l'homme qui est au centre du récit, les chansons entendues sont alors toujours utilisées par rapport au sens qu'elle dégage vis à vis de leur auteur et d'une certaine période de sa vie (séquence touchante où ses demis-frères et sœurs écoutent une chanson en apprenant qu'elle a comme sujet le père qu'il n'a jamais connu). Enfin, Marley est aussi un brillant film au message pacifiste, trouvant son point d'orgue dans une séquence de concert ainsi que dans un générique de fin à la sincérité palpable. Et si la forme reste classique pour un format documentaire, Kevin MacDonald fait preuve d'un talent indéniable pour ce qui est de gérer son montage qui dégage toujours une idée de mise en scène ou un sens précis, et puis arriver à ne jamais ennuyer son spectateur en 2H30 est un exploit en soi. Marley, en plus d'être un film arrivant à capter l'essence même de son sujet, est aussi sur le plan formel une totale réussite, un excellent film donc.

NOTE : 7/10

[Alegas]

What Ever Happened To Baby Jane ? (Qu'est-il arrivé à Baby Jane ?) de Robert Aldrich

(1962)

Grosse déception devant ce Aldrich dont j'en attendais sûrement beaucoup trop, je pensais voir ni plus ni moins qu'un très grand film et je me retrouve au final devant un bon film précurseur qui laisse néanmoins un goût amer dans la bouche. Déjà, il faut reconnaître au film des qualités évidentes, notamment un traitement osé d'un récit qui l'est tout autant, une histoire de jalousie malsaine, parfois perverse, souvent violente aussi bien verbalement que physiquement. Il est difficile de ne pas voir en ce film l'influence principale de Stephen King pour son chef-d’œuvre Misery, le film jouant énormément sur la relation entre bourreau et victime. Pourtant, si l’œuvre d'Aldrich arrive à traiter avec brio de la psychologie des personnages présentés (le must étant bien entendu Baby Jane, protagoniste éternellement torturé par son enfance, on pourrait non seulement imaginer une histoire d'inceste devant une telle volonté de retourner à l’innocence première, mais aussi penser à une schizophrénie pure et simple, la dernière séquence jouant beaucoup sur cet aspect là), le script est, dans sa globalité, beaucoup trop sous-exploités, la faute à des thèmes sous-jacents sur lesquels Aldrich pourrait créer des pistes (la question de l'identité notamment, effleurée sur les séquences du téléphone puis rapidement oubliées) mais qu'il néglige au final, ce qui donne à son film un côté premier degré qui lui fait un peu trop défaut, le rendant finalement beaucoup trop classique, surtout à l'heure d'aujourd'hui. Il est donc dommage de ne voir en ce film qu'un simple thriller très angoissant alors qu'Aldrich aurait pu tout simplement livrer l'un des meilleurs, si ce n'est le meilleur film sur la folie. Le final est d'ailleurs assez emblématique de ce constat :

le choix de la plage faisant référence à l'enfance et personne ne remarquant l'état de Blanche, il pourrait paraître évident que sa confession (très importante pour le film puisqu'elle éclaircit tout le mystère autour du trauma qui hante le métrage) est totalement imaginaire (cette révélation a un petit air de trop beau pour être vrai). Ainsi, Blanche serait déjà morte, laissée sans vie dans sa chambre, et Jane continuerait tout simplement à se l'imaginer non seulement vivante mais en plus fautive de ce qu'elle pensait être son péché ultime. Hélas, si la dernière danse va totalement dans ce sens (Jane se coupant définitivement du monde réel), Aldrich ne laisse plus vraiment de doute au spectateur via le plan final, démontrant que la présence de Blanche est bien réelle, même si son sort reste incertain.

Le script possède aussi quelques autres défauts, notamment son rapport aux personnages secondaires, le personnage du pianiste étant assez étrange dans son développement (présenté comme un personnage très important alors qu'il reste un protagoniste somme toute assez mineur), la femme de ménage est à ce niveau là bien mieux traitée. Enfin, si la réalisation d'Aldrich prouve encore une fois sa capacité à toucher à tout les genres (excellente séquence de tension avec la femme de ménage), elle trouve néanmoins ses limites dans la vision trop théâtral des séquences se déroulant dans la chambre de Blanche. On se demanderait presque si c'est voulu tant les placements des personnages entre eux et la façon de réciter le texte font penser à du théâtre filmé, heureusement cela concerne une partie minoritaire du métrage et le reste fait vite oublier ce détail, notamment les placements de caméra très diversifiés. Quand au casting, c'est bien évidemment l'une des attractions principales du film, Aldrich utilisant deux anciennes stars pour dévoiler un jeu insoupçonnée. A ce titre, Joan Crawford est étonnante dans sa façon de créer la vulnérabilité, mais c'est bien entendu Bette Davis, totalement transformée, qui impressionne jusqu'à la dernière séquence, certainement l'un des rôles féminins les plus marquants que j'ai pu voir tout genre et nationalité confondus. Un film que je reverrais sûrement à la hausse passé la déception qui prime, car oui ce n'est certainement pas un grand film mais c'est le genre d’œuvre qui vieillit très bien dans l'esprit.

NOTE : 7/10

[Alegas]

Avenge but one of my two eyes (Pour un seul de mes deux yeux) de Avi Mograbi

(2005)

Nouvelle étape dans ma découverte du cinéma d'Avi Mograbi, et je tombe sur ce qui est sans aucun doute son meilleur film à ce jour. Pour un seul de mes deux yeux, c'est à la fois un film qui épouse parfaitement les thématiques de Mograbi tout en les faisant évoluer, un film qui se pose donc comme un film de la continuité mais c'est aussi une œuvre qui marque une violente rupture avec ses essais précédents, au point que l'on en vient à se demander si le film ne serait pas une étape de la maturité artistique. Ainsi, Pour un seul de mes deux yeux est le premier véritable documentaire pur de Mograbi, ses précédents films étant soit des échecs, des films expérimentaux ou des making-of, et c'est aussi le premier film où il n'a pas besoin d'inclure la fiction pour contrebalancer son sujet, même les séquences téléphoniques, gimmick du cinéma de Mograbi, paraissent bien plus réelles que par le passé. Et grâce à cette réalité omniprésente, l'auteur laisse enfin les images parler d'elles-même, comprenant que les situations et paroles qu'il capte, aidées par le montage, peuvent être le seul dialogue du film. Tournant dans les territoires palestiniens occupés, Mograbi devient alors un point de vue neutre devant des situations souvent explosives, laissant le spectateur penser et juger de lui-même, à l'inverse totale de ce qu'aurait fait un réalisateur comme Michael Moore. Via un montage alterné entre une excursion scolaire dans une ancienne cité hébreux et des confrontations injustes entre israéliens et palestiniens, Mograbi rappelle tout le long de son film le message du mythe biblique de Samson et sa répercussion sur le conflit actuel, les deux peuples cherchant à s'anéantir pour les même raisons : le souvenir d'une gloire passée, la quête d'une identité nationale (et donc géographique) et surtout l'attente du premier pas vers la liberté et le respect entre les individus. En cela, Pour un seul de mes deux yeux devient rapidement le film le plus puissant de la filmographie d'Avi Mograbi, et l'ultime séquence du métrage va aussi totalement dans ce sens, montrant le cinéaste lui-même exploser de rage devant un groupe de soldats à la bêtise palpable. L'humain prend alors le pas sur le réalisateur, et si cet acte peut être vu en soi comme une erreur d'objectivité, il peut être facilement interprété comme la remise en question totale du cinéma engagé, ou comment un auteur jusque là passif décide finalement de changer les choses via une prise de risque physique (cela fait d'ailleurs écho à une séquence précédente où Mograbi, entouré de soldats l'empêchant de filmer, devient la victime d'une sorte de viol filmique). En plus d'être l'un des meilleurs documentaires de ces dernières années, Pour un seul de mes deux yeux s'impose facilement comme l'une des œuvres les plus justes et les plus captivantes du conflit israélo-palestinien. Une œuvre majeure qui risque hélas de rester d'actualité dans les décennies à venir.

NOTE : 8/10

[Pathfinder]

7/10 à Baby Jane...Tssssssssss

[Scalp]

7 c'est la note référence pour Alegas si le plus a plus de 15 ans