Des rapports avec la saga il ye na a (des FF yen a quand même 8-9 avant que le film sorte et les FF n'ont aucun lien entre eux donc ça dérange pas que le film soit à part mais ce qui g^ne c'est que le titre est purement commercial parce que ça n'entre pas du tout dans la catégorie du jeu vidéo : le film on dirait un mix des cinématiques de Capcom et de Squaresoft. L'histoire elle est pas plus naze que les FF en général
(bon j'abuse mais le fond des FF c'est souvent spirituel/écolo bah là ça l'est aussi).
Un des premiers Sergio Leone, un des premiers spaghettis, une vraie révolution du genre. Style poussiéreux , réalisation atypique, personnages iconoclastes et taciturnes, musiques charismatiques à l'aura magnifiant subtilement les plans importants et iconiques où la moindre scène prend une tout autre ampleur grâce à un Morricone inspiré. Leone indique au spectateur dès le générique vraiment original où en dessin-animé style ombre chinoise et couleur sang, le ton presque décalé mêlant le sérieux le plus intense avec un humour sec et pince sans rires incongru où la dimension tragique des westerns classiques se fait subtiliser la place par les nouveaux codes d'un genre à la dérive dont les 
Mise en scène stylisée permettant à Leone d'offrir des plans certes déjà vus auparavant mais son style émergeant commençait déjà à tendre vers une dilatation du temps flagrante où les solitaires laconiques se confrontent avant tout par le regard et le charisme. Il me semble même que Leone use intelligemment d'un e stratégie de Suntzu (ou Musashi Miyamoto) qui disait qu'il fallait battre l'ennemi avant même de porter la main au sabre. Par l'aura qu'on dégage sans laisser transparaitre sa peur, ses tremblements etc.. Les icônes de Sergio Leone s'encrent parfaitement dans ce cas de figure et le rapport au Japon et à Kurosawa existe bel et bien puisque le grand réalisateur italien aurait apparemment réalisé un remake de
Petit souci : Leone a du mal (en tout cas sur ce film) à filmer des fusillades : là où la 
A travers l'Ouest et le Sud des USA, on distingue plusieurs figures du western : le cow-boy en quête de liberté, le hors la loi en quête de richesse et le solitaire en quête de justice. Leone parvient à retranscrire quelques codes classiques dans son genre comme la figure féminine omniprésente sauf que le spaghetti laisse toujours en suspens cet élément : dommage car physiquement sublime, le regard intense (on retrouvera plus tard le même genre de femme avec Cardinale dans l'ultime western du maitre). Sa présence est surement là pour montrer que l'Homme sans Nom ne court pas non plus après l'amour. On sent une faille à ce niveau mais au final il reste détaché. Il va et vient afin d'aider ceux qui lui chantent en délaissant ses récompenses quand il ne les méritent pas. En contraste avec Gian Maria Volonté et le carnage final où après avoir mis le feu à la maison de la famille rivale il tue un par un les survivants qui tente de fuir l'Enfer. Dans l'Ouest de Leone, quasiment plus personne ne meurt naturellement : les balles des revolvers signent les cercueils. Loin de la désillusion et de l'idéalisme de la conquête de l'Ouest des westerns classiques, le spaghetti prolongeait le chant de la Mort entamé par le crépusculaire. En plus de parvenir à chambouler les codes, Sergio Leone réussit à transformer la forme du western en l’enrichissant de contre-plongées, plans éloignés , gros plans, très gros plans , quelques plans-séquences et musiques orchestrales où les chœurs de Morricone emportent le spectateur vers de nouveaux horizons funestes mais pas encore désespérés puisque les héros existent encore bel et bien.
et on a les image qui reviennent en tete sur tes mots 
ouai je trip un peu la 
Plus d'une décennie et d'au moins 5 visions après, le second film de Bryan Singer perd considérablement de sa superbe. Bâtissant son statut culture essentiellement grâce au cliffangher génial et bouleversant, Usual Suspects se révèle finalement assez pauvre dans sa réalisation , malgré sa photographie assez soignée mais inégale et son écriture. Le scénario parait de moins en moins captivant et passionant au fur et à mesure que le temps passe : tout est concentré sur l'intrigue et et l'interrogatoire mais les personnages ne sont vraiment développés et c'est ce qui semble atténuer la première impression coup de poing du long-métrage.
Effectivement quand on découvre ce film à 10-15 ans on adore on se prend un uppercut. 10 ans plus tard c'est déjà plus le même impact. Manque de relief , de profondeur, d'ampleur visuelle et technique, tout la substance d'une des premières œuvres de Singer se trouve uniquement (en tout cas majoritairement) dans cette putain de fin superbement découpée , où le cinéaste réussit en quelques minutes à clôturer son film et son histoire sans rien expliquer, juste en nous laissant voir ce que Kujan découvre et comprend à son insu. C'est bel et bien à la fois une vrai dénouement qui termine totalement le film mais réussit à laisser une porte ouverte sur l'imagination en pleine effervescence du public. Même après le générique qui peut dire que l'histoire qu'il a vue était vraie ? 
La force du film repose aussi sur la figure criminelle de Keyser Soze, hors la loi quasi intemporel mythologique à l'aura mystérieuse qu'empreigne littéralement le film. Ottman signe une bonne compo, ça fait même penser à du Morricone sur Les Incorruptibles de De Palma. Pour comparer le film avec certaines œuvres du même genre (sans cliff mais avec une tension finale et une acmé viscérale) Reservoir Dogs est bien supérieur et bien plus original sur la forme. Bien plus inventif et moins formaté. Concernant les films à twists, le Singer fait pâle figure face à la fureur et le ton tragique faussement décalé d'un Smokin'aces. Quand voit Mmento par exemple c'est encore un cran au-dessus à tous les niveaux.
Après un Mimic complètement violé par la production, Del Toro réalisa le premier film qui formera plus tard un diptyque avec le Labyrinthe de pan.
A travers l'enfance , Guillermo Del Toro distille deux autres sujets : la guerre (précisément la Guerre d'Espagne) et le surnaturel, prétexte à une écriture et un ton dépressif où le fantôme d'un enfant assassiné hante un orphelinat perdu au beau milieu d'un pays en guerre. Isolé au beau milieu d'un paysage désolé, des enfants épargnés par les bombes trouvent donc refuge au sein d'une baisse traitée par Del Toro comme une ville fantôme de western, genre auquel il rend clairement hommage par des plans ou une partie de l'intrigue qui reprend exactement les motivations importantes de certains films de l'ouest Américain : un trésor, des bandits, un homme seul et vieux (le shérif)à qui prend le fusil pour défendre jusqu'au bout sa demeure installée loin de la violence qui survole pourtant l'établissement catholique au point de larguer une bombe..qui n'explosera pas. Providence ? pas sûr. Les protagonistes sont épargnés par la guerre qui fait rage mais , les murs qui les protègent deviendront bientôt une prison.
Quasi huit-clos et faux film d'horreur , L’Échine du Diable porte ne lui les germes d'un style cinématographique nourrit d'une grande culture du fantastique par-dessus laquelle le cinéaste imagine une histoire intimiste essentielle sur la perte de l’innocence. Rarement un film aura été aussi contrasté sur le sujet : les gamins sont face à face avec la mort et la violence sous toutes leurs formes. Ici un être de leur âge dont le souvenir perdure au-delà même du monde dans lequel il ne vit pourtant plus. Les hommes jeunes sont violents (superbe interprétation d'Eduardo Noriaga, quasi jumeau de Colin Farell), les anciens sont faibles , inertes mais sages (Federico Luppi déjà dans Cronos, ici immense surtout vers la fin) et le scénario évite tout manichéisme : ce jeune homme fut lui aussi orphelin mais sa quête n'est pas celle des rebelles. Il veut avant out le trésor (les lingots) pour fuir. Il a même droit à une scène pleine de nostalgie et touchante où, accompagné de ses deux acolytes il redécouvre son dossier contenant les photos de ses parents et de lui-même. Un bref instant il est ému et veut partager ce moment mais les deux seuls personnages qu’ils pensent être ses amis ne l’écoutent pas et s'en fichent totalement. Plus tard ils l'abandonneront même : 
Le film possède quelques scènes crues où la lucidité de l'auteur sur les sentiments et les paradoxes humains enterre toute niaiserie sur le propos : la directrice couche avec Jacinto -dont elle s'occupait quand celui-ci était gamin et dont elle connait plus ou moins les motivations et l'idylle avec le conchinta-, le vieux solitaire (d'ailleurs la solitude est un des thèmes en filigrane du film : qu'il s'agisse du fantôme, de Jacinto, le professeur Casares, Jaime, mais encore..la bombe , discrète mais toujours présente , comme une antiquité ou plutôt un mémorial, un monument) qui n’arrive pas à déclarer son amour à la directrice (à la jambe de bois dont le design est un pur concept de pantin. Souvenir laissée par la guerre sans doute) , Jaime qui entre ne scène comme le méchant de l'orphelinat mais qui peu à peu prend du relief et devient le héros du film plus que l'enfant en tête d'affiche qui n'est qu'un pont entre l'ainé (Jaime) et le fantôme. En un seul film Guillermo Del Toro parvient à s'affranchir des productions américaines entamées avec Mimic et livre son film le plus personnel, le plus violent,le plus sombre et le plus pessimiste. la guerre détruit l'Homme, l'Homme se détruit lui-même. L’orphelinat catholique contraste parfaitement avec toute la violence du film, à la a fois douce, sans effusion de sang mais pourtant choquante car palpable et réelle. L'imagerie du film est parsemée de plans symbolique (abandon déchirant où le garçon cout après la voiture (on pense à Empire of the Sun de Spielberg) mais encore le plan de Jaime qui est cachée derrière la bombe pour éviter Jacinto (qui devient le Croque-Mitaine à la place du fantôme : le réalisateur de Cronos jouent avec les codes pour mieux surprend le spectateur : la présence surnaturelle devient un gentil petit garçon mort prématurément qui sollicite les vivants afin de le venger et le fantastique n'est qu'un prétexte assumé de l’amour du genre car l’Échine du Diable n'a jamais pour ambition de faire peur malgré les gimmicks inhérent au genre. C'est vite oublié, le fantôme n'est pas très présent et tout le film ne tourne qu'en filigrane autour de lui. Limite le vestige e la bombe est plus symbolique et plus mis en valeur
Le final façon western post-apocalyptique est d'une puissance émotionnelle rare où le désenchantement côtoie un espoir amer...étrange parfum nostalgique jaillissant des plus profondes blessures humaines. Certainement le meilleur film de Guillermo Del Toro ou en tout cas, du genre (avec The Others et Sixth Sens).
